PARTICULARITÉS DU GENRE CONCERTO POUR VIOLON

SMBATYAN SATENIK, PhD (Oxford)
Violoniste, soliste de concerto

Le genre du concerto a une longue histoire d’origine et de développement. L’intérêt pour la création de concertos instrumentaux s’est manifesté dans l’esthétique baroque de la musique, du XVIe au milieu du XVIIIe siècle, en même temps que le développement de l’opéra. Le concerto pour divers instruments de musique est apparu dans la culture musicale européenne comme un nouveau genre de l’art baroque. Le mot baroque est dérivé de la définition portugaise de Perola Barocco, qui se traduit par une perle de forme irrégulière, c’est-à-dire une configuration étrange d’une perle qui n’a pas de point central ou d’axe de symétrie. Dans les traités consacrés au style baroque, des noms similaires sont donnés et les caractéristiques de l’expression émotionnelle baroque sont définies : opulence, décorativité, grandeur, complexité, fluidité, rafale, passion, extase, dynamique, légèreté et liberté des aspirations spirituelles, souvent exaltation des images. Cette particularité s’exprime clairement dans le contraste entre une polyphonie strictement organisée et bien pensée et le chaos, la fantaisie, l’improvisation, les différents ornements musicaux, les cadences improvisées et les divers embellissements musicaux.
La première période a été associée à la création de Concerti pour ensemble instrumental et orchestre d’instruments d’époque : Concerti grossi ou Concerto grosso. L’amélioration de la sonorité des orchestres, ainsi que la promotion du rôle du soliste de concerto, ont stimulé l’émergence et le développement de l’interprétation virtuose. C’est la personnalité du soliste virtuose qui a influencé la création du genre du concerto instrumental avec orchestre, car ce sont des opposés, dans le son desquels il y a un esprit de compétition et d’opposition au soliste de la masse sonore de l’orchestre, qui a une fonction différente : tantôt soutien de l’instrument soliste, tantôt opposition. Les concertos ont été créés pour un seul instrument soliste avec l’orchestre, mais à la même époque, les compositeurs ont écrit de la musique pour deux ou plusieurs solistes avec l’orchestre, que l’on a appelée double ou triple concertos. Les grands maîtres des siècles passés ont créé des œuvres dans le genre du concerto instrumental, développant la forme, l’enrichissant d’un nouveau contenu, inspirant les interprètes à trouver de nouvelles façons de jouer, révélant de nouvelles facettes de l’art de l’interprétation, influençant la perception émotionnelle de la musique. L’interprétation virtuose a également influencé le développement des instruments existants et la création de nouveaux instruments de musique répondant aux nouvelles exigences de la composition musicale. Les instruments à cordes des grands maîtres italiens Stradivarius et Guarneri sont toujours considérés comme inégalés. Les brillants talents de soliste et la sonorité de l’orchestre ont stimulé la construction de salles de concert dotées d’une acoustique particulière.
Ces innovations dans le processus de développement sont infinies et permettent d’écouter en son naturel d’excellents interprètes de musique de différentes époques. Parmi les nombreux instruments de musique, le violon a progressivement pris une place prépondérante en tant qu’instrument soliste dans l’œuvre des violonistes, qui étaient souvent aussi des compositeurs et écrivaient dans différents genres. Outre les opéras, les ballets, les messes, les oratorios, les cantates, les arias et les chansons, ils ont également écrit des pièces de théâtre, des danses, des fugues, des variations, des sonates et des concertos. Parmi le grand nombre de musiciens, il faut souligner les noms de violonistes et compositeurs italiens remarquables : Alessandro Stradella (1644-1682), Lorenzo Gregori (le premier musicien à écrire sur le Concerto grosso en 1698), Arcangelo Corelli (1653-1713), Antonio Vivaldi (1678-1741), qui ont jeté les bases du genre du concerto pour violon. Parmi les concertos baroques, les concertos pour violon seul et orchestre d’Antonio Vivaldi, Les Saisons, qui ont été composés en 1725 (dans certaines publications, avant 1720), comme le pensent certains spécialistes de la musique baroque, ont acquis une immense popularité.
Ce cycle représente les quatre premiers des douze concertos de l’opus 8, qui partagent le titre The Controversy of Harmony with Invention (La controverse de l’harmonie et de l’invention). Au début de chacun des quatre Concerti, Vivaldi a écrit des sonnets poétiques qui révèlent les images musicales créées dans les œuvres. Chacun d’entre eux se compose de trois parties : rapide – lent – rapide. Cette séquence contrastée des parties du Concerto a été largement diffusée par la suite. Les « Saisons » sont des musiques à programme, chacune d’entre elles étant consacrée à une saison : 1. le printemps, 2. l’été, 3. l’automne, 4. l’hiver. Les concerts des « Saisons » de Vivaldi ont acquis une grande notoriété et sont encore entendus aujourd’hui sur scène, dans des enregistrements audio et vidéo, au cinéma et à la télévision, et sont utilisés dans divers styles et directions musicales, même dans le jazz et la musique rock. Les concertos pour violon avec orchestre ont été créés par des compositeurs et des violonistes. Parmi eux, il convient de citer les noms des plus grands compositeurs : G.F. Haendel et Jean-Sébastien Bach, dont les œuvres sont considérées comme l’apogée de l’ère baroque et sont entendues partout.

Ce sont des chefs-d’œuvre de la musique classique mondiale qui ont créé une nouvelle étape dans le développement de nombreux genres, y compris les concertos pour violon. L’étape suivante est associée à la brillante musique de Mozart et de Beethoven. Les cinq concertos pour violon et orchestre de Mozart et l’unique concerto pour violon de Beethoven sont des chefs-d’œuvre qui ont établi des normes classiques plus équilibrées dans le genre du concerto, dans lequel les parties extrêmement rapides sont opposées à la partie centrale lente. De la tradition baroque, le concerto classique a adopté la double exposition, jouée d’abord par l’orchestre puis par le soliste et l’orchestre, ainsi que la présence de cadences improvisées, que le soliste sans l’orchestre devait jouer et improviser dans certaines parties de l’œuvre. Les XVIIIe et XIXe siècles ont vu naître les concertos de style romantique, largement développés dans les œuvres du violoniste et compositeur Nicolo Paganini, puis d’autres compositeurs européens et russes : Mendelssohn, Brahms, Sibelius, Tchaïkovski, Glazounov, le célèbre violoniste et compositeur Wieniawski et d’autres encore. Au XXe siècle, parallèlement aux tendances novatrices des compositeurs, des concertos pour violon et orchestre intéressants et remarquables ont été créés par Schoenberg, Berg, Szymanowski, Britten, Prokofiev, Chostakovitch, Khatchatourian, Stravinski et Jolivet, qui sont devenus des œuvres du répertoire et sont joués dans les programmes de concert. Au cours de ses cinq siècles d’existence, ce genre s’est répandu dans différentes écoles nationales de composition, enrichissant ainsi la culture musicale mondiale. En Arménie, le fondateur du genre du concerto pour violon et orchestre est le célèbre compositeur arménien Aram Khachaturian (1903-1978), dont l’ensemble de l’héritage créatif a été reconnu par l’UNESCO comme patrimoine culturel, notant qu’Aram Khachaturian fait partie des compositeurs de génie du XXe siècle. Dans son œuvre, une place importante est occupée par les concertos instrumentaux avec orchestre, qui sont entrés dans le fonds d’or de la musique mondiale et sont souvent interprétés par des musiciens célèbres, il existe d’excellents enregistrements audio et vidéo, la musique de ces œuvres est largement utilisée au théâtre, au cinéma, etc. Il s’agit de concertos pour piano, violon, violoncelle et orchestre, ainsi que de concertos rhapsodiques pour les mêmes instruments. Aram Khatchatourian a composé son Concerto pour violon et orchestre en 1940, alors qu’il était déjà un compositeur reconnu et renommé. Son amitié avec le grand virtuose du violon David Oistrakh a joué un rôle certain dans la conception du concerto et dans son interprétation complexe et virtuose. Le premier interprète fut David Oistrakh, à qui le compositeur a dédié cette œuvre. Après sa création, le concerto a immédiatement reçu d’excellentes critiques élogieuses et est devenu l’une des œuvres les plus recherchées qui ont influencé l’évolution de l’interprétation au violon. Il a été joué et est encore joué par les plus grands violonistes virtuoses des XXe et XXIe siècles.

À première vue, le concerto est écrit de manière traditionnelle, mais Aram Khatchatourian a abordé la réalisation du concept artistique d’une manière unique. Le concerto se compose de trois mouvements : le premier mouvement, Allegro con fermezza (vivement, avec précision), est rapide. Il est écrit sous la forme d’une sonate Allegro ; le deuxième mouvement Andante sostenuto (lent, retenu), écrit dans une forme complexe en trois mouvements ; le troisième mouvement Allegro vivace (rapide, vif), écrit sous la forme d’une sonate Rondo. Le compositeur a donc conservé l’approche traditionnelle du rapport de tempo des parties : rapide – lent – rapide. Il a également conservé les particularités des traditions établies dans la formation des formes. En même temps, il a abordé l’incarnation du contenu d’une manière innovante, créant son propre monde d’images musicales, original et unique. Le concerto commence par une brève introduction (neuf mesures en tout), qui contient l’impulsion principale, le caractère principal du mouvement de cette œuvre. Dès le début de la partie de violon du soliste, le thème d’une danse courageuse est expressif et très rythmé.

Dans l’exposition de la première partie, il est contrasté par deux thèmes mélodieux de danse lyrique. Cette combinaison imaginative des deux sphères thématiques se développe tout au long de l’œuvre. La deuxième partie du concerto est la sphère du lyrisme des chansons. Le compositeur a appelé ce mouvement « Knock-Turn », une sorte de sérénade nocturne. Selon le compositeur, la musique qu’il a écrite pour le film « Zangezur » est également utilisée dans cette partie. La partie principale de la mélodie attire par sa chaleur, son âme, l’élégance de son humeur. Elle est également proche des intonations des chansons folkloriques-professionnelles orientales des ashugs avec accompagnement instrumental, ce qui influence son caractère improvisé. Le compositeur lui-même a écrit : « Il arrive que de grands morceaux de musique originale soient entrecoupés de chants folkloriques. Ces airs naissent parfois inconsciemment, comme des échos particuliers d’airs entendus autrefois et dormant dans la conscience de l’auteur ». Cette définition de l’attitude du compositeur à l’égard des sources folkloriques imprègne l’ensemble de son œuvre. Le finale du concerto, lié thématiquement aux mouvements précédents, conclut organiquement l’ensemble du cycle. De brillantes figurations virtuoses et des passages ornementaux orientaux dans la partie de violon solo, divers éléments rythmiques, des rythmes de danse expressifs et une orchestration colorée créent un sentiment de célébration et de plénitude de la vie. Le symphonisme élaboré du concerto et la dramaturgie du développement de ses images riches et pleines de sang contribuent à la création de ce sentiment. La beauté, les couleurs splendides et le son pittoresque du grand orchestre symphonique enrichissent l’expressivité de cette œuvre. Aram Khatchatourian a lui-même écrit la cadence du concerto, qui est interprétée par de nombreuses personnes. Cependant, David Oistrakh a également écrit une cadence complexe et virtuose pour ce concerto, qu’il a lui-même interprétée lors des représentations. Cette cadence permet aux interprètes de créer et de jouer leur propre cadence individuelle et improvisée, basée sur un système différent et sur les thèmes musicaux du concerto qu’ils interprètent.

La technique du violon virtuose appliquée avec audace par l’auteur exige de l’interprète un haut niveau de compétence professionnelle, la maîtrise de l’ensemble des moyens expressifs du violoniste : technique virtuose, sonorité magnifique, chantante et diversifiée sur le plan du timbre, large palette d’agogiques. Le soliste-interprète du concerto d’Aram Khatchatourian doit faire preuve de maturité artistique, d’un tempérament vif, d’un goût musical bien développé et d’un bon sens de l’imagerie nationale arménienne de l’élément instrumental.
LITTÉRATURE

Khatchatourian A.I., Comment je comprends la nationalité en musique, // S M., 1952, # 5.
Arutyunov D., A. Khachaturian et la musique de l’Est soviétique. Langue. Style. Traditions. Moscou, « Musique », 1983.
Oistrakh D., Souvenirs, articles, interviews, lettres. Moscou, « Musique ». , 1978.
Smbatyan S., Analyse du concerto pour violon et orchestre d’Aram Khatchatourian. Ulrich Michels, Guide illustré de la musique (volume II), Fayard, 1990.
Aram Khatchatourian, Concerto pour violon et orchestre, édition Sikorskyski, Hambourg.