mai 28, 2024

LES SCIENTIFIQUES FRANÇAIS

REVUE DE PHILOSOPHIE DE LA PAIX

LE CINÉMA INDIEN (1975-2018) ET LES TRADITIONS DE LA CULTURE NATIONALE.

 

Jayasekera Santhi , PhD, Professeur
Doctorante de l’Institut d’État russe de cinématographie S.A. Gerasimov (VGIK). S.A. Gerasimov All-Russian State Institute of Cinematography (VGIK) (en 2015-2018).
Moscou, Russie

CINÉMA INDIEN (1975-2018) ET TRADITIONS DE LA CULTURE NATIONALE.

Résumé : Le cinéma indien occupe depuis longtemps une place importante dans le cinéma mondial. Lorsque l’on parle de cinéma indien, il est nécessaire de faire la différence entre l’Inde en tant que sujet spécial reproduit dans le cinéma mondial et le cinéma indien proprement dit, créé en Inde et principalement par des maîtres du cinéma indien. Ces deux phénomènes et concepts interagissent constamment l’un avec l’autre, sans pour autant être identiques.
La période considérée dans l’histoire du cinéma indien occupe une place fondamentalement importante et constitue, à certains égards, une transition et un tournant. Au cours de cette période, le cinéma indien refuse consciemment d’affirmer toute forme de violence, essentiellement futile, comme moteur du développement social et comme norme et modèle de la pensée et du comportement humains, et met en avant l’idée d’une interaction entre diverses forces sociales, tendances politiques et individus. En fin de compte, les origines matérielles et spirituelles. Cette idée s’étend à l’histoire, même la plus bizarre et la plus lointaine, et à la modernité contradictoire.
Le cinéma indien en général et plus particulièrement celui d’une certaine période historique (1975-2018), basé sur les traditions les plus importantes de la culture indienne, est un « phénomène », théoriquement et pratiquement significatif pour le développement spirituel et matériel de l’humanité moderne, de sa culture et de sa vie quotidienne.

Mots-clés : Culture indienne ; cinéma indien ; réalisateur ; histoire ; musique.

CINÉMA INDIEN (1975-2018) ET TRADITIONS DE LA CULTURE NATIONALE.

Résumé : Le cinéma indien occupe depuis longtemps une place importante dans le cinéma mondial. Lorsque nous parlons de cinéma indien, il est nécessaire de différencier l’Inde en tant que sujet spécial reproduit dans le cinéma mondial, et le cinéma indien lui-même, créé en Inde et principalement par des maîtres du cinéma indien. Ces deux phénomènes et concepts interagissent constamment et ne sont pas identiques.
La période considérée dans l’histoire du cinéma indien occupe une place cruciale et constitue, dans un certain sens, un point de transition. Le cinéma indien de cette période refuse délibérément de revendiquer une quelconque violence, par essence peu prometteuse comme moteur de développement social et comme norme et modèle de pensée et de comportement humain, et met en avant l’idée d’une interaction entre diverses forces sociales, tendances politiques et individus. En fin de compte, un commencement matériel et spirituel. Cette idée s’étend à l’histoire, même la plus bizarre et la plus lointaine, et à la modernité contradictoire.
Le cinéma indien en général et plus particulièrement celui d’une certaine période historique (1975-2018), basé sur les traditions les plus importantes de la culture indienne, est un « phénomène » qui est théoriquement et pratiquement significatif pour le développement spirituel et matériel de l’humanité moderne, de sa culture et de sa vie quotidienne.
Mots clés : Culture indienne ; cinéma indien ; réalisateur ; intrigue ; musique.

Pour de nombreux films indiens de la période indicative, les titres eux-mêmes sont émotionnellement expressifs et orientent le spectateur à l’avance sur leur intention définie et le contenu réel qu’ils contiennent.
Dans Revenge and the Law (1975) et The Avenger (1976), le héros agit en tant que porteur d’une justice humaine plutôt que de la « vengeance » en tant que violence brutale.
Les films « Jonginam » (1976), « A Difficult Role » (1977), « The Reverse Side of Love » (1981), « The Temple of Love » (1988), « In Dreams of Love » (1991) et « Disappointment » (1992) traitent du « voyage difficile » vers le véritable amour à travers diverses « déceptions », alors que les « rêves » les plus brillants de l’amour véritable se réalisent d’une manière ou d’une autre.
Le film « Madness » (1978) traite du comportement apparemment « fou » mais, en réalité, profondément juste et pacifique du héros.
Le film « The Cry of the Wounded » (1980) est un appel à tous les soutiens possibles pour un homme qui défend sans hésitation le bien et la justice.
Le film « Je suis Azad, je suis libre » (1989) est un véritable hymne à la liberté du héros face à la corruption et au chantage.
Pour apporter la bonté aux gens, le héros doit suivre sa véritable « voie ardente », comme le montre le film « Fiery Path » (1990).
Le film « The Ganges, Thy Waters Are Muddy » (1985) retrace le chemin du héros vers la liberté et l’indépendance, qui « nettoie » symboliquement les eaux sacrées du Gange de toute souillure.
Le film « Son of God » (2003) n’a pas de signification religieuse. « Son of God » fait référence au héros qui vit près d’un cimetière (« le domaine du Dieu Shiva »). Le héros exhorte les gens à s’éloigner le plus possible de la trahison, de la cupidité, du mensonge et de la cruauté en s’appuyant sur ses propres expériences de vie.
Les films « Hard Role » (1977), « Nachiya » (2018) et « Jonginam » (1976) attirent particulièrement l’attention sur le sort de la femme indienne et affirment son droit, voire son devoir, de jouer un rôle important dans la vie publique.
« Disco Dancer » (1982) est un film sur le parcours difficile d’un talent jusqu’à sa reconnaissance bien méritée et véritablement populaire.
« Lovers (2006, Aditya Chopra), Once Upon a Time in India (2001, Ashutosh Gowariker) – nominé aux Oscars. Dans ces films, l’action se déroule précisément en Inde, avec ses particularités sociales et psychologiques. « Veer et Zara » (2004, Yash Chopra), « Devdas » (2002, Sanjay Leela Bhansali), « Bombay » (1995, Mani Ratnam) sont les noms des personnages qui sont au centre de l’attention. Les films ont des titres à la symbolique ambiguë : « The Bearer » (Manmohan Desai, Prayag Raj, 1983), « Hero » (1987, Mani Ratnam), « Boss Shivaji » (2007, Shakmuchan Shankar), « Jodhe and Akbar » (2008, Ashutosh Gowariker), « Rose » (Mani Ratnam, 1992), « Villain » (Subhash Ghai, 1993), « The Colour of Saffron » (Rakesh Omprakash Mehra, 2006), etc. д.
Les titres de films tels que The Last Hope (2005, Sanjay Leela Bhansali), Stars on Earth (2007, Amir Kahn), Three Idiots (2009, Rajkumar Hirani), et The Plea (2010, Sanjay Leela Bhansali) sont orientés et significatifs.
Les films de cette période se caractérisent par une intrigue tendue, des collisions sociales aiguës et l’interaction complexe entre l’ancien et le nouveau, le passé, le présent et l’avenir. Cependant, tout cela se déroule sans issue tragique (« La vengeance et la loi », « Le vengeur », « Zhonginam », « Un rôle difficile », « La folie », « Le cri des blessés », etc.)
Le respect du passé, la vieillesse avec ses traditions, peuvent et doivent coexister organiquement avec les nouvelles tendances de la vie et les nouvelles exigences inhérentes à la jeune génération : « Le destin de la veuve (1986), La famille (1987), Ganges, tes eaux sont brouillées (1985), Nachiya (2018), Déception (1992), Rôle difficile (1977).
Les films sont saturés de collisions amoureuses complexes, tandis que leur résolution est fondamentalement différente de la tradition de l’Europe occidentale. Il n’y a pas de souffrance légitimée ni de désespoir tragique dans ces films.
Selon la tradition culturelle indienne, le véritable amour est toujours désintéressé, désintéressé, désintéressé, non motivé et non calculé. Un tel amour exclut toute rivalité irréconciliable. Une personne hautement morale, sans aucune lutte, concède consciemment et volontairement son amour à son rival, qui, en fait, est plus fort et plus profondément amoureux de l’objet de son propre amour, et qui est plus en accord avec les sentiments du rival.
Toute tragédie s’avère dans ce cas optimiste. D’une manière ou d’une autre, le bonheur triomphe. Ce sont les films « Le destin de la veuve » (1986), « In Dreams of Love » (1991), « Disappointment » (1992), « The Reverse Side of Love » (1981), « Disco Dancer » (1982). « Temple of Love » (1988) est un film sur le grand pardon en amour, même lorsqu’il semble impossible de pardonner. Le bonheur du pardon est incommensurable dans sa puissance et sa vérité avec toute victoire obtenue par la coercition et la violence.

Aucune richesse en soi, aucune cupidité ne peut donner le vrai bonheur : « Jonginam (1976), The Wounded Man’s Cry (1980), Disco Dancer (1982), A Difficult Role (1977), Temple of Love (1988), Son of God (2003). C’est très pertinent.
Le renforcement inconditionnel des valeurs familiales est une tradition de la culture indienne, qui s’incarne dans le cinéma indien.
En même temps, il est vital d’abandonner certaines traditions familiales : une veuve devient l’épouse du frère de son défunt mari dans The Fate of the Widow (1986). L’obéissance stricte aux aînés de la famille et aux hommes conduit à des conflits aigus : « A Difficult Role » (1977), « The Ganges, Your Waters Are Troubled » (1985), « Disappointment » (1992). La vieillesse et le passé doivent être respectés, mais il ne faut pas leur obéir aveuglément.
Le leitmotiv de nombreux films est le problème du Bien et du Mal. Le Bien doit pouvoir se défendre et triompher sans violence, directement ou par anticipation : « Zhonginam (1976), A Difficult Role (1977), Madness (1978), The Reverse Side of Love (1981), The Fiery Path (1990).
Le bien et la justice triomphent toujours, directement ou indirectement, tel est le leitmotiv du cinéma indien, qui correspond à la culture nationale indienne, remontant au bouddhisme en tant qu’enseignement philosophique et moral.
En même temps, il est insensé et futile de combattre le mal par la violence : « Gangwa » (1984), « Ganges, Thy Waters Are Muddy » (1985), « I am Azad, I am Free » (1989). Une telle lutte exclut le lynchage : « Gangwa » (1984).
La loi intérieure et extérieure, conforme à la nature humaine, triomphe. La confiance, le désintéressement, la gentillesse et la sympathie l’emportent sur la cruauté, la violence, l’intolérance et la trahison.
Les intrigues :
« Lovers » : les traditions familiales et domestiques sont stables, mais l’avenir réside dans de nouvelles relations plus humaines entre les gens, sans interdits dogmatiques. Le film « Il était une fois en Inde » montre de manière convaincante la victoire de la justice, quoi qu’il arrive. « The Bearer » : la transformation d’un garçon pauvre en un leader reconnu des peuples opprimés. « Rose » : l’amour désintéressé devient politiquement orienté. « The Villain » : même chez le criminel, la véritable humanité est préservée et se manifeste lorsqu’elle est éveillée par la bonté et la justice. Le film « La couleur du safran » montre que les héros, défenseurs des peuples opprimés, meurent avec un « sourire aux lèvres ».
« Hero », « Bombay » : la relation complexe entre divers contrevenants et la police. « Trahison », « Black Friday », « Lifeline » : l’absurdité de la guerre des gangs, en particulier sur la base de l’intolérance religieuse (hindouisme, islam). La haute mission de la charité, quoi qu’il arrive (« Boss Shivaji »). Les conséquences désastreuses pour l’homme de vouloir doter un robot de qualités humaines (« Robot »). Ce film est particulièrement instructif pour les apologistes de l' »intelligence artificielle ».
Le film de Sanjay Leela Bhansali « The Last Hope » (2005) traite du voyage indomptable et même tragiquement intense de l’homme vers la lumière, au sens propre comme au sens figuré. Son film « The Plea » (2010) défend également de manière expressive le droit inviolable de l’homme à la vie, malgré toutes ses limitations physiques.

Le film « Stars on Earth » (2007) d’Amir Khan fait référence à divers enfants comme à des « étoiles » dont l’éducation dans l’esprit de la gentillesse nécessite un énorme travail d’âme de la part de l’éducateur.
Dans le film « Three Idiots » (2009), Ashutosh Gowariker qualifie métaphoriquement d' »idiots » trois amis qui, malgré toutes les difficultés de la vie, conservent leur amitié loyale et apparaissent comme des « idiots » (incompréhensibles – uniques) pour la « conscience ordinaire ». Dans le film fantastique « Pikey » (2014), il montre de manière expressive que le véritable amour, impartial et sublime, relie organiquement l’extraterrestre et les habitants de la Terre.
Les films Reservations (2011) et Perseverance in Truth (2013) de Prakash Jha affirment et développent les idées du Mahatma Gandhi et d’un monde sans violence existant pour le bénéfice de tous dans l’histoire et les personnages.
Le film The Fiery Path (2012) montre qu’il est vital pour la société et chacun de ses membres d’interrompre et d’arrêter tout bouleversement inhumain d’une manière non violente.
Le film d’Ashutosh montre que l’amour véritable peut surmonter toutes les différences (sociopolitiques, religieuses, etc.).
Le cinéma indien se caractérise par une synthèse organique de différents genres (1975-2018), ce qui leur confère une polyvalence significative et une polyphonie picturale et sémantique particulières, une réelle capacité à avoir un impact esthétique sur les publics les plus divers, avec des goûts différents et des mesures différentes de la préparation intérieure à la perception du cinéma.
Ce genre est appelé « masala » en l’honneur du « masala », un mélange indien de diverses épices. Chaque film du genre masala a sa propre épice, c’est-à-dire son propre accent esthétique.
Il s’agit d’un western indien avec une psychologie approfondie (« La vengeance et la loi »). Il combine l’action et le thriller, le drame, la comédie musicale et la comédie.
Le crime interagit avec le mélodrame (« Jonginam »).
Le film « Madness » diffère du « masala » de Bollywood en ce sens qu’il s’agit d’un véritable drame historique filmé de manière réaliste.

La bande sonore authentique est celle du film « Disco Dancer ».
Un film impressionnant – une histoire et en même temps une allégorie – « Ganges, Thy Waters are muddy » (Gange, tes eaux sont boueuses).
Le film « Temple of Love » est un drame familial.
Un récit sociopolitique et épique – « Je suis Azad, je suis libre ». Comédie, drame et comédie musicale à la fois – le film « In Dreams of Love ».
« Devdas », « Lovers » – un récit à développement séquentiel. « Il était une fois en Inde » est un drame sportif spécial avec des éléments d’une comédie musicale. La nouveauté (la liberté) triomphe de la colonisation (l’oppression) dans « Vir et Zara ». La collision amoureuse, racontée de manière épique, est liée à la religion et à l’inégalité sociale. L’amour véritable peut surmonter tous les obstacles, y compris les obstacles religieux.
« Devdas » est une adaptation du roman de 1917, subtilement modernisé au cinéma. Le bonheur des amoureux est entravé jusqu’à aujourd’hui par des préjugés traditionnels et quotidiens. En même temps, chacun choisit aujourd’hui sa propre façon d’aimer et d’aimer, qui peut être vraie et seulement apparemment vraie. Tout dépend de la sensibilité et de la perspicacité des personnages eux-mêmes.
Les vies bizarres et intenses des personnages sont montrées dans le récit polyvalent (« Le Porteur », « La Rose », « Le Méchant »). Dans « La couleur du safran », une intrigue à plusieurs niveaux d’expression lyro-épique est présentée.
Il s’agit principalement d’une narration séquentielle à plusieurs niveaux (« Hero », « Bombay », « Betrayal », « Boss Shivaji », « Robot »). Drame psychologique profond (« Lifetime »). « Robot » est une combinaison de science-fiction, d’action, de drame, de mélodrame et de comédie. « Black Friday » est une sorte de symbiose entre le documentaire et le long métrage.
Le genre principal et prédominant de nombreux films est un récit réaliste dramatiquement intense, étendu et multidimensionnel : « The Last Hope », « Stars on Earth », « Three Idiots », « Fire Road », « Reservations », « Perseverance in Truth », « Peakey » – science-fiction. Un mélodrame touchant apparaît dans le film « The Plea ».
Le film « Jodhaa and Akbar » est un récit historique et épique qui met en garde contre les dangers de la guerre.
Les réalisateurs des films de cette période (1975-2018), véritables maîtres de leur art, ont une vision et une compréhension individuelles et inimitables des divers matériaux qu’ils incorporent dans les films qu’ils réalisent.
Ramesh Sippy (« Revenge and the Law », 1975) est un maître de l’intrigue à suspense fascinante. Son film « La vengeance et la loi » est resté à l’affiche à Bombay pendant quatre ans sans interruption et a remporté un succès ininterrompu auprès du public.
Pramod Chakravorty (« The Avenger », 1976) utilise habilement les collisions mélodramatiques et les cascades diverses (héros fringant à moto, etc.).
Chetan Anand combine magistralement le mélodrame indien et le crime (« Zhonginam », 1976) et crée un genre synthétique spécial d’apparence mystique dans le film « The Reverse Side of Love », 1981. Sa mastaka a une base réelle.
Shyam Benegal appartient au « cinéma parallèle » en tant que miroir de la réalité sociale, qui se manifeste de manière éclatante dans le film « A Difficult Role », 1977. La bichromie du film (noir et blanc et couleur) permet d’exprimer de manière expressive les différentes périodes de la vie de l’héroïne (sombre et joyeuse). Dans « Madness » (1978), le réalisateur reproduit le drame historique à grande échelle (batailles entre les Sipayas et les troupes britanniques) et affirme que la « folie des braves » est la véritable « sagesse de la vie », qui peut et doit conduire à la paix entre les nations et les individus.
Le film de Govind Nihalani « Le cri du blessé » (1980) montre un homme invincible qui défend la justice dans la vie avec insouciance et détermination. Le film a remporté à juste titre le premier Golden Peacock Award au Festival international du film de Delhi en 1981. C’est le premier film du réalisateur, disciple de Shyam Benegal. Govind Nihalani joue en même temps le rôle d’un merveilleux caméraman.
Dans Disco Dancer (1982), Babbar Subhash combine harmonieusement comédie musicale et mélodrame.
Le film « Sad Story » (1983) de Balu Mahendra, malgré les événements tristes (la maladie et la souffrance de l’héroïne), est rempli d’une lumière intérieure et d’une vitalité inébranlable.
Le film « Gangwa » (1984) crée Rajasekhara dans l’esprit d’un thriller, empreint d’un optimisme inaltérable.
Raj Kapoor dans Ganges, Thy Waters Are Muddled (1985) montre que certaines traditions anciennes qui oppriment la liberté intérieure et extérieure de l’homme sont métaphoriquement capables de « brouiller » les eaux sacrées du Gange. Ce qui est vraiment sacré, c’est la liberté.
Sukhwant Dhada propose sa propre adaptation du roman de l’écrivain pendjabi Rajinder Singh, transmettant de manière impressionnante la saveur inoubliable de la vie de village avec ses traditions et ses coutumes, positives et négatives.
Le film « Family » (1987) de Shashilal Nair est une parabole et une mise en garde. Il entremêle de manière organique les destins compliqués d’adultes et d’enfants.
К. Bapaya dans le film « Temple of Love » (1988) montre comment les rêves les plus brillants liés à l’amour véritable se réalisent dans la vie de manière difficile et parfois même douloureuse.
Le film « I am Azad, I am Free » (1989) a pour objectif social et politique de vaincre la corruption et le chantage. C’est dans l’intransigeance à cet égard que réside la véritable liberté d’expression du héros, un journaliste.
Dans son film « The Fiery Path » (1990), Mukul Anand exprime avec émotion qu’un homme qui défend le bien et la justice doit passer par son « chemin de feu », rempli de douleur et de souffrance, de brûlure et d’endurcissement. Un homme doit être intérieurement préparé à cela s’il est fermement engagé sur la voie du bien et de la justice.
Le film In Dreams of Love (1991) de Lawrence D’Souza est à la fois une comédie, un drame et une comédie musicale. Il met en scène de superbes danses indiennes et une musique magnifique. Kumar Sanu pour la chanson « Mera Dil Bhi » a remporté les Filmfare Awards, tout comme Alka Yagnik pour « Dekha Hai », tandis que les compositeurs Shravan Rathod et Nadeem Saifi ont été récompensés pour la musique du film.
Harmesh Malhotra dans « Disappointment » (1992) a subtilement capturé toutes les nuances et le son majeur général de l’amour vraiment grand et conquérant des personnages en dépit de tous les obstacles à leur rencontre.
Dans « Son of God » (2003), Bala affirme avec force que c’est la personne vivante, et non une puissance supérieure mythique, qui détient la véritable omnipotence pour débarrasser sa vie réelle de la souffrance et de la trahison. Et dans le film « Nachiya » (2018), le même réalisateur fait l’éloge de la sagesse, de la sensibilité et de la réactivité des femmes indiennes, de leur capacité réelle à diriger des organisations sociales aux niveaux les plus divers.
Aditya Chopra est un maître de l’intrigue à suspense, socialement et historiquement significative. Gowariker est un maître de l’intrigue pointue, psychologiquement intense. Leela est un psychologue subtil – un parolier. Manmohan Desai Prayag Raj est un narrateur habile. Un innovateur dans le domaine du « réalisme politique » Mani Ratman. Maître des constructions narratives multi-linéaires et poignantes Subhash Thay. Rakesh Omprakash Mehra est un maître du drame romantique. Ram Gopal Varma combine organiquement le « langage de la rue » et la réalité quotidienne avec un grand romantisme à l’égard de ses personnages.
Sanjay Leela Bhansali est un maître des récits tragiquement intenses.
Amir Khan est un véritable humaniste cohérent, un défenseur intransigeant des enfants.
Ashutosh Gowariker est un maître de la métaphore cinématographique.
Prakash Dha est un adepte convaincu du Mahatma Gandhi et de ses enseignements sur la confrontation non violente avec le mal dans la vie.
Les réalisateurs indiens parviennent à créer des ensembles d’acteurs authentiques dans leurs films, dans lesquels des maîtres de l’écran reconnus et des acteurs talentueux débutant dans le cinéma interagissent en toute transparence.
Les maîtres sont :
Rajesh Khanna (« The Reverse Side of Love »), producteur et activiste politique de premier plan, lauréat de nombreux et divers prix. L’un des acteurs les plus importants de Bollywood ;
Le célèbre Amitabh Bachchan (« I Am Azad, I Am Free », « Revenge and the Law », « Path of Fire », « The Lovers », « The Bearer », « The Last Hope », « Booking », « Perseverance in Truth ») qui a remporté le National Awards « for Best Actor of the Year » ;
Mithun Chakraborty (« The Family », « Temple of Love »), qui a remporté les Filmfare Awards ;
Tinnu Anand (« Fire Road »), qui a remporté le Screen Videocon Awards « pour sa performance dans un rôle secondaire » ;
L’inimitable et multidimensionnel Naseeruddin Shah (« Scream of the Wounded »).
Une place importante dans le cinéma indien, lui conférant une identité nationale unique :
Hema Malini (« Revenge and the Law », « Jonginam ») ;
Rishi Kapoor (« The Avenger », « The Fate of the Widow », « Path of Fire ») ;
Smita Patil (« Un rôle difficile ») ;
Kamal Hassan (« Sad Story ») ;
Rajiv Kapoor (qui a réalisé en même temps le film « Ganges, Thy Waters Are Muddled »).
Il est impossible d’énumérer tous les acteurs. Les noms déjà cités donnent une idée objective du haut niveau artistique du cinéma indien (1975-2018), qui poursuit et développe les traditions de la culture indienne.
Traditionnellement, la musique et la danse, qui sont de nature nationale, ont toujours joué et continuent de jouer un rôle particulier dans le cinéma indien. Cela est tout à fait vrai pour le cinéma indien 1975-2018.
Dans le film « Revenge and the Law », le spectateur est littéralement envoûté par la danse. Plusieurs chansons sont intégrées de manière organique dans l’intrigue qui se développe de manière dynamique (« Madness »).
La chanson « Humein Tumse Pyar Kitna » (« L’envers de l’amour ») du compositeur Rahul Dev Burman, interprétée par Kishore Kumar, est devenue un véritable succès pendant de nombreuses années.

Des chansons merveilleuses, de la nouvelle musique électronique, des danses de style disco (le film est ainsi appelé « Disco Dancer ») créent un succès durable pour le film, dans lequel le célèbre acteur Mithun Chakraborty a prouvé qu’il était un danseur brillant. Le compositeur de la nouvelle vague Bappi Lahiri a donné au film une expression entraînante.
La musique de Ravindra Jain contribue à faire ressortir les personnages de « Ganges, Thy Waters Are Muddled ».
Dans le film « I am Azad, I am Free », une chanson est jouée à plusieurs reprises, acquérant une intonation différente en fonction de l’évolution de l’intrigue et lui donnant une expressivité particulière.
La musique des compositeurs Kudalkar et Sharma dans le film « Fire Road », en particulier des chansons comme « Yun Yun Yuna » et « Abhi Mujh Kahin » et l’air folklorique « Abhi Mujh Mein Kahin » font ressortir les vraies qualités des personnages et émeuvent profondément le spectateur. La chanson joyeuse « Kombadi Polali » interprétée par Shreya Ghoshal et accompagnée par la danse de Katrina Kaif est devenue populaire. L’ensemble porte le titre de « Chikni Chameli ».
Pour les chansons du film « In Dreams of Love » : Mera Dil Bhi de Kumar Sanu et Dekha Hai d’Alka Yagnik ont été récompensées.
Les compositeurs Shravan Rathod et Nadeem Saifi ont reçu le prix de la meilleure musique. Le film était un véritable chef-d’œuvre.
Les compositions musicales d’Aag Hawaa « Mitti Aur Pauni » et « Dunya Ne Mera Sab Kuch » traduisent la tragédie des situations dans le film « Disappointment ».
La musique très émotionnelle du compositeur Ilayaraj pour « Son of God », particulièrement entendue dans le final du film, d’une importance mondiale : les gens, éloignez-vous autant que possible de la violence, de la trahison, de l’avidité et du déshonneur.
« Il était une fois en Inde », « Villain » – la musique est très dynamique et la danse est d’une énergie contagieuse, tant à l’extérieur qu’à l’intérieur. « Bombay » est une synthèse organique de performances, de chorégraphies et de diverses chansons. Une musique expressive accompagne l’ensemble du film « Hero ».
Ainsi, le cinéma indien (1975-2018) contient les traditions les plus importantes de la culture indienne, en leur donnant des expressions individuelles originales et des interprétations modernes.

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Salganik M.L. (ed.), Feroz Ranguvalla. Kino Indii : Proshloe i nastoyashchee. Panorama indiiskogo kino [Cinéma de l’Inde : passé et présent. Panorama du cinéma indien]. – Moscou : « Raduga, 1987. – 384 p.
Données sur l’auteur :
Jayasekera Santhi – PhD de l’Institut de cinématographie Gerasimov. (2015-2018)
ORCID : 0000-0003-2440-5777